La representación de la cruz, asociada a la muerte de Jesús, es el acontecimiento culminante de la historia de la salvación, en el que Cristo se ofreció al Padre por los pecados de la humanidad.
La cruz, instrumento de ignominia y tormento, se convierte para los cristianos en símbolo de vida y esperanza a través de la gloriosa Resurrección.
El tema de la Crucifixión ha ocupado siempre un lugar central en la producción artística de Occidente y Oriente cristianos, y ha habido diversas formas de representar los últimos momentos de la vida terrenal de Cristo en la cruz.
A lo largo de los siglos, los artistas han reescrito, reinterpretado y dado vida a la Pasión de Cristo, narrada en los evangelios canónicos (Mt 26-27; Mc 14-15; Lc 22-23; Jn 18-19), con el fin de actualizar y explicar un mensaje, haciéndolo siempre nuevo y eficaz.
En la miniatura (Ms. 2020, c.55r), situada en la apertura de la perícopa del Evangelio joánico, el miniaturista decide captar el momento anterior a la muerte de Jesús.
En el centro de la escena está Cristo, con el cuerpo extendido sobre el madero vertical y los brazos extendidos sobre el patibulum.
De las heridas, causadas por los clavos y el golpe de lanza asestado por Longinos, brota sangre que baña el cráneo exhumado de Adán, colocado al pie de la cruz, que representa a la humanidad redimida por el sacrificio de Cristo.
Según la tradición, el Gólgota es el lugar donde Adán reposa en la tumba.
La cabeza de Cristo, aureolada y coronada de espinas, se vuelve hacia un grupo de mujeres encabezadas por Juan.
Es en este preciso momento cuando Jesús confía su discípulo amado a su Madre: «¡Mujer, he ahí a tu hijo!».
Y volviéndose hacia Juan: «¡He ahí a tu madre!».
Por las expresiones de los personajes, es posible captar el estado de ánimo con que reciben las últimas palabras: Juan, después de escuchar, dirige su mirada hacia la nueva figura maternal a la que ha sido confiado; la Virgen, en cambio, con un aspecto más compasivo que apenado, junta las manos en oración, aceptando confiadamente el testamento dejado por su Hijo natural.
Este tipo de representación arroja luz sobre la exégesis teológica, que reconoce en la sangre derramada por Jesús la fuente original del sacramento de la Eucaristía, y en la reunión de la Madre de Dios y el Apóstol amado en los momentos previos a la muerte del Señor, el nacimiento de la Iglesia.
La carga emocional de la despedida que precede a la muerte se acentúa con la participación de otras mujeres, colocadas con la Madre a la derecha de Cristo.
Las tres figuras que acompañan a la Virgen y al discípulo Juan hacia el lugar del Gólgota se reflejan en los pasajes evangélicos, y pueden identificarse con una hermana de la Virgen, María de Clèofa y María de Magdala.
Son muy significativos los colores que el miniaturista decidió atribuir a las vestiduras de la Virgen y de la otra mujer piadosa situada detrás de ella, posiblemente María de Magdala.
La Madre de Jesús lleva una larga túnica gris con un manto azul, que le envuelve la cabeza y la mayor parte del cuerpo, mientras que María de Magdala está envuelta en un manto rojo.
En la tradición iconográfica, tanto el rojo como el azul son los colores de las túnicas que identifican a la Virgen María, simbolizando la naturaleza humana y divina de su Hijo, al que está unida como Madre de Jesús verdadero Dios y verdadero Hombre.
En esta escena del monte Calvario, el artista quiso asignar los dos colores a dos personajes diferentes, para destacar a través del color rojo, que lleva María de Magdala, el papel de la humanidad en la historia de la salvación.
La cruz de Cristo está flanqueada por las de los dos ladrones retratados al bies.
En contraste con la compostura ascética de Jesús, los malhechores se retuercen de dolor, ajenos a la conmoción que se produce a su alrededor.
Al otro lado de la cruz, dos figuras masculinas a caballo -quizá identificables como sumos sacerdotes o ancianos- señalan con el dedo a Cristo, debatiendo si el crucificado es realmente el hijo de Dios.
Las dos figuras llevan una túnica a media pierna y un tocado típico de la primera mitad del siglo XVI.
Al fondo, una tropa de armeros monocromos observa la escena.
En el Calvario descrito por el Maȋtre de Claude de France -a quien se atribuyen las miniaturas contenidas en el Evangelarium-, el fondo paisajístico se sitúa en un espacio homogéneo y mensurable, conforme a las leyes de la representación, que a partir del siglo XV condicionarían la pintura europea.
Se distinguen los contornos de la ciudad de Jerusalén, representada como una ciudad torreada y protegida por murallas.
Rodea la página un marco con dos motivos ornamentales diferentes a lo largo de las bandas laterales.
En la primera banda, a la izquierda, se despliega un motivo decorativo grotesco sobre fondo dorado, característico del arte renacentista. passio Christi: los dados de juego que simbolizan a los soldados romanos; las treinta monedas que Judas Iscariote recibió de los sumos sacerdotes; el gallo que cantó durante la negación de Pedro; la columna de la flagelación; los azotes; la jarra con la jofaina que recuerda el gesto de Pilato; la espada con la que Pedro cortó la oreja al sumo sacerdote; la cruz con la corona de espinas y la cartela anepígrafa; la escalera, la lanza y la caña con la esponja; la tumba vacía.
El escudo del centro del panel inferior ostenta las armas del dedicatario, Francisco de Valois-Angoulême (1518-1536), Delfín de Francia e hijo del rey Francisco I (1494-1547).
El escudo está rodeado de una «lista» con el lema: Qui passus pro nobis Domine miserere nobis.
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